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Composicion


Presentado por : Fotorevista

La cámara fotográfica para mí es una libreta de croquis, el instrumento de la intuición y la espontaneidad, el dueño del instante que, en términos visuales,cuestiona y decide a la vez. Para significar el mundo, hay que sentirse parte de lo que uno recorta a través del visor. Esta actitud exige concentración, sensibilidad y cierto sentido de la geometría. Sólo economizando medios y, sobre todo, olvidándose de uno mismo, se llega a la simplicidad de expresión. Fotografiar es contener la respiración cuando todas nuestras facultades convergen para captar la realidad huidiza; en ese momento, tomar una imagen es una gran alegría física e intelectual. Fotografiar es reconocer un hecho en un mismo instante y en una fracción de segundo, y la de organizar rigurosamente las formas percibidas visualmente que expresan y significan ese hecho. Es poner en una misma línea de fuego la cabeza, el ojo y el corazón. Es una forma de vida.

HENRI CARTIER - BRESSON



Principios Básicos

COMPOSICION – PRINCIPIOS BASICOS

La observación y análisis de una buena obra fotográfica, se hace sobre 3 puntos fundamentales.

1) Su realización técnica (revelado, copiado, etc.)
2) Su composición.
3) Su valor estético – emocional (ligado directamente a la capacidad creadora del autor de la obra).

De lo anterior se deduce la enorme importancia que tiene el conocimiento y buen uso de las leyes y reglas generales de la composición. Decimos que:
COMPOSICION ES EL PROCESO MEDIANTE EL CUAL EL ARTISTA SITUA Y DISPONE LOS ELEMENTOS DENTRO DEL ESPACIO DE LA FOTOGRAFIA DE MANERA QUE ESTA EXPRESE EL OBJETIVO PROPUESTO.

El pintor tiene la facilidad de eliminar los elementos superfluos de una escena, simplemente no pintándolos, el fotógrafo, cuya cámara registra implacable todo lo que tiene delante, tendrá si son necesario otros recursos como ser variar su punto de toma desplazándolo alrededor del sujeto, cambiar el objetivo, utilizar la profundidad de campo, el uso de filtros etc. e inclusive en el procesado de la copia en el papel, tendrá también varias opciones para lograr una buena composición.

NORMAS PARA LOGRAR MEJORES FOTOGRAFIAS

a) Nuestra manera occidental de mirar las cosas que nos rodean hace que, guiados quizá por un hábito de lectura y escritura de izquierda a derecha, nos resulte un tanto instintivo y natural comenzar a observar un cuadro siguiendo este sentido direccional, en consecuencia es lógico que en el momento de colocar los componentes de nuestra fotografía tengamos en cuenta este criterio, para que la observación futura de la obra sea dirigida naturalmente hacia el elemento o zona de interés a través de los elementos secundarios.

b) Los motivos principales que trasunten movimientos, deberán ubicarse de modo tal que ese movimiento se vea favorecido por un espacio para su desarrollo. Esto se consigue dejando mayor espacio libre en la zona hacia la cual se dirige el sujeto.

c) Cuando se incluya el horizonte en una fotografía, deberá evitarse que quede ubicado en el medio de ella pues esto crea la sensación de disociación o falta de unidad en el cuadro, ya que se asigna igualdad de superficie a las dos mitades, creando indecisión y confusión en el espectador. Este mismo defecto de falta de unidad puede presentarse en el caso de un elemento vertical demasiado grande o situado en el centro de la fotografía, como sucede frecuentemente con columnas o postes que dividen la imagen en dos mitades laterales, en ambos casos el fotógrafo deberá decidir cual de las partes será mayor.

d) Se tendrán en cuenta las características de los elementos que constituyen la fotografía para decidir si la toma será orientando la cámara en sentido vertical u horizontal. Las escenas con predominio de líneas horizontales insinúan en el espectador una sensación de tranquilidad, calma y reposo; en este caso es conveniente realizar la toma en el sentido horizontal (apaisado) para realzar esa sensación, del mismo modo, las líneas verticales dominantes crean fuerte sensación de dinamismo, por lo tanto el encuadre vertical enfatiza esa condición del sujeto.

e) Al encuadrar nuestro sujeto, debemos observar la posición del horizonte, para colocarlo en forma paralela al lado inferior (o superior) de nuestro visor, de lo contrario la fotografía obtenida dará la sensación de falta de equilibrio, es decir, parecerá “caerse” hacia un costado.

f) Cuando fotografiemos escenas de reportaje o expresiones humanas, debemos concentrar nuestra atención en el sujeto principal, para registrar en el momento preciso una expresión o una situación espontánea. En estos casos podemos dejar de lado la precisión en el encuadre dándole prioridad al registro de la escena.

g) Teniendo la oportunidad, siempre es conveniente repetir la toma con la intención de observar mejor la composición, pudiendo variar nuestra posición respecto al sujeto, cambiar la distancia focal del objetivo, elegir un par diafragma/velocidad diferente etc. De esta forma tendremos mejores opciones en el momento de hacer la copia.



Unidad y Variedad.

Como condición universal en toda obra artística, existen dos factores básicos que necesariamente han de combinarse entre sí y que resumen, en principio, todas las reglas de la composición, a saber:
UNIDAD DENTRO DE LA VARIEDAD - VARIEDAD DENTRO DE LA UNIDAD

Variedad en los tonos, variedad en las formas, variedad en el tamaño y en la disposición de los elementos que integran la fotografía. Cuando existe esta variedad el espectador se siente atraído por la imagen, esa variedad reclama su atención e intensifica su interés.

Pero esta variedad, si es abundante o exagerada, llega a desconcertar, dispersando la atención y el interés creados inicialmente.

La unidad se establece en la fotografía cuando en esta no existen elementos discordantes y el conjunto de ellos armoniza dentro de su entorno, podemos decir que el secreto de toda buena composición reside en la unidad.

Para conseguir unidad, podemos recurrir a los siguientes factores:
1) Organización de la forma y el espacio, condicionados por la proporción espacial.
2) Observación de las leyes de simetría y asimetría.
3) Aplicación de las leyes de equilibrio y compensación de masas
4) Estudio de las formas.
5) Aplicación de esquemas tradicionales de composición.

Para lograr variedad debemos poner en práctica los siguientes factores:
1) Creación de similitudes.
2) Creación de contrastes.
3) Dramatización de las posibilidades expresivas.
4) Realce mediante la materia (medio, factura y técnica aplicada al medio)
5) Creación de una originalidad conjunta compositiva.

La aplicación de los factores básicos unidad y variedad a través de los anteriores factores deberá ofrecer, además una ordenación conjunta en la necesariamente tendrá que haber un elemento más importante que otro, e incluso un primer elemento o elemento principal, al que seguirán y estarán supeditados todos los demás. Es decir:

UNIDAD DENTRO DE LA VARIEDAD - VARIEDAD DENTRO DE LA UNIDAD
LA ORGANIZACIÓN DE LOS FACTORES UNIDAD Y VARIEDAD DEBERA ESTAR CONDICIONADA A REALZAR EL CENTRO DE INTERES O PUNTO PRINCIPAL DEL MISMO.




Variedad dentro de la Unidad.

gris

Si observamos una tela pintada de gris, sin ninguna variación, sin ninguna forma ni mancha, llamaría la atención por su extravagancia, lo miraríamos tratando de adivinar que ha querido dar a entender el artista, pero en modo alguno podría producirnos un goce estético. Si existiera un cuadro así sería la negación absoluta del factor “variedad”.


gris2

Supongamos a continuación un cuadrado tan abstracto como el reproducido en la figura 1: el mismo fondo gris, con otro cuadro inserto en el centro. Tampoco éste conseguiría llamar la atención, ni producir goce estético alguno, el hecho de producir un cuadrado inscrito dentro de otro – dos formas idénticas – seguiría siendo una negación del factor “variedad”


gris3

Observemos ahora un tercer cuadro o figura, el cual está pintado sobre una superficie rectangular y que en él apareciera, arriba un cuadrado rojo, y abajo,
descentrado, un círculo de color azul; los dos elementos sobre fondo gris. En este caso, aún cuando las formas siguieran siendo abstractas, es decir sin representar nada concreto, existiría un principio de variedad, originada por la forma cuadrada y circular, además del color particular de cada forma y del fondo.


marron

Esta variedad crecería y se multiplicaría sí observamos - o creamos – un cuadro en el que las formas fueran mayores en número y más dispares entre sí en el que existiera una mayor diversidad de colores, mayor contraste entre unos y otros. etc.
Observe como la vista registra automáticamente él circulo y luego recorre el resto de la imagen. Encontramos variedad dentro de la unidad.    




Unidad dentro de la variedad.

LA UNIDAD DENTRO DE LA VARIEDAD

platano

En este intento de componer una imagen con distintos elementos tales como frutas, un plato y un cuchillo, es evidente que el factor variedad está logrado debido a la diversidad de los mismos en cuanto a formas, tamaños y colores, pero podemos decir sin temor a equivocarnos que esta variedad no es agradable ya que dichos elementos están dispersos y como perdidos en una mesa que lo es todo y no es nada. Una fotografía de esta características producirá fatiga, la mirada saltará de un lado a otro y pronto el observador perderá interés en observar la obra. Le falta unidad.


platano2

Al ordenar todos los componentes de la imagen de modo que produzcan un agrupamiento más formal y agradable a la vista, notamos que nuestra mirada dispone de un “recorrido” visual para nada complicado, despierta nuestro interés, siendo mucho más placentero observar esta composición, “cerrada” y equilibrada. Logramos materializar el factor unidad.




La proporción espacial.

LA PROPORCION ESPACIAL Y LA SECCION DORADA


Desde las primeras épocas del arte, es evidente la preocupación de artistas y artesanos por los problemas que ocasiona la proporción, teniendo en cuenta que ésta es la correspondencia de una parte con él todo o entre cosas relacionadas entre sí.

En la alfarería china, en la cerámica árabe y en la arquitectura egipcia, ya se descubren normas proporcionales, pero fueron los griegos los que llevaron a la arquitectura estatuaria y objetos funcionales, al más alto grado de perfeccionamiento en estas relaciones armónicas.

Una buena proporción es la relación que produce un efectivo placer visual. Por lo que se comprenderá la importancia de la aplicación de sus principios. Las más grandes obras del renacimiento fueron basadas en el principio enunciado por el arquitecto Vitrubio (70-25 AC) que dice:

PARA QUE UN TODO DIVIDIDO EN PARTES IGUALES PAREZCA HERMOSO ES PRECISO QUE EXISTA ENTRE LA PARTE PEQUEÑA Y LA MAYOR LA MISMA RELACION QUE ENTRE LA GRANDE Y EL TODO

Por ejemplo:

ejemplo1

La relación 8/5 = 1,6 es aproximadamente igual a 5/3 = 1,666


Siguiendo este principio, si al espacio comprendido dentro del rectángulo que contiene nuestra fotografía lo dividimos en partes armónicas horizontal y vertical (lo dividimos en tercios) obtendremos en la intersección de las líneas divisorias cuatro puntos de cruce llamados puntos áureos o de oro, donde es conveniente situar el centro de interés de la foto, o sea el motivo principal con la intención de que el ojo lo lea en forma inmediata y luego recorra el resto de la obra.

Como se ve el punto de interés no esta en el centro de la fotografía, ya que correríamos el riego de centralizar la imagen, transformándola en monótona y quitándole la posibilidad al observador de recorrer la obra con su vista.

horizontal
Horizontal (apaisado)                                         Vertical



La sección dorada.


Como toda regla, esta también tiene sus excepciones y en algunos casos el motivo puede estar en el centro de la fotografía y con distintos elementos competitivos llevar nuestra atención hacia él. Como hemos dicho es conveniente que el motivo principal de nuestra foto este situado en unos de los puntos áureos o cerca de él,
pero entre ellos hay uno que generalmente se destaca más si la toma es vertical, ese punto será el de la intersección superior derecha y si es horizontal el punto será el de la intersección inferior derecha (foto1)

Esto es debido a que al analizar una fotografía, casi siempre la vista entra por el ángulo inferior izquierdo y sigue un recorrido de izquierda a derecha y de abajo hacia arriba.

Mucho se ha dicho con respecto a las razones que impulsan al espectador a seguir ese recorrido visual algunos sostienen que se debe a la fuerza de la costumbre occidental de leer de izquierda a derecha, esta forma de leer es la que determina el orden de importancia de los centros de interés.

Con respecto a la lectura de una fotografía, es importante destacar que una obra bien realizada debe ser “cerrada”, es decir, debe leerse siguiendo un orden y tiene que verse la totalidad de la superficie del papel sin que ningún elemento de la composición nos obligue a salirnos fuera de la hoja.

cielo

Los cuatro puntos de intersección son la parte clave de la cuadrícula. Si ajustamos el enfoque sobre uno de ellos, lo haremos doblemente efectivo.


playa

Si deseamos equilibrar el motivo principal con otro elemento de menor importancia, el lugar más adecuado es el punto clave diagonal opuesto. Debemos prestar atención para que dicho elemento no reste importancia al motivo principal.




El formato

Al ser dos, los ojos del hombre, tienden a mirar el mundo como un óvalo horizontal con los extremos borrosos. También tienen un alcance mucho más amplio que el objetivo estándar de una cámara de 35mm. La mirada humana va de un lado a otro, centrando la atención en más de un lugar, esta es la razón por la que las fotografías pueden llegar a ser decepcionantes si las comparamos con el tema original.

La cámara “ve” el paisaje como un rectángulo, mientras que el ojo humano ve numerosas imágenes de contorno suave.

Formato horizontal.


Habitualmente, miramos a través del visor para ver la imagen en forma horizontal, la forma de la cámara también predispone a ello, ya que fue diseñada para que fuese más fácil sostenerla en esta posición. Este es el formato clásico para vistas generales y paisajes, conocido con el nombre de “formato de paisaje”, sin embargo no existe ninguna norma que obligue a utilizar este formato para los paisajes, a veces el formato vertical mejora notablemente nuestra fotografía.

laco1

 

La visión de la cámara: A través del visor la cámara capta una imagen bastante desordenada sin ningún centro de interés, no logrando mostrar la belleza de la escena.

laco2

Cambiar el formato: Al girar la cámara y cambiar el formato, la imagen queda mejorada ganando puntos de interés, la línea diagonal crea mayor sensación de profundidad.

laco3

Probar otro punto de vista: Si nos retiramos unos pasos, las ramas desaparecen y la atención se centra en el lago, pero la imagen pierde fuerza. Las líneas horizontales que forman la nieve, el hielo, los árboles y el cielo dividen el encuadre en partes muy iguales y no dejan ningún punto de interés dominante.



Formato vertical.

formato_horizontal


Formato Vertical


Cuando vemos a alguien que se nos acerca automáticamente centramos la atención en esa persona y “descartamos” el entorno. En fotografía se obtiene el mismo efecto girando la cámara y utilizando el formato vertical. En algunos casos el retrato horizontal puede producir efectos magníficos pero, por lo general, la composición en un paisaje hace que la figura humana (normalmente de pie) aparezca con espacios vacíos o detalles desordenados en el fondo.
Si se escoge un tema vertical y se combina con un formato horizontal se corre el riesgo de “cortar” alguno de sus extremos, el espacio vertical es mucho más fácil de llenar, por eso es frecuente denominarlo como formato para retratos.

formato_vertical

La figura humana encaja de modo natural en este encuadre, pero si no fotografiamos el cuerpo entero, no es conveniente “cortar” a la altura de codos, rodillas o cintura (foto pequeña)



Líneas de atención – curvas.

LINEAS DE ATENCION
En muchas ocasiones podemos utilizar líneas naturales o predominantes de nuestra escena que guíen al espectador hacia el interior de la fotografía y hacia el sujeto principal. Estas líneas pueden ser: Una carretera, una calle, una sombra proyectada, líneas de edificación, un cerco etc.

En una gran mayoría de fotografías, la línea es la base de la composición y no por eso el punto principal. Toda fotografía tiene líneas, ya sean verticales u horizontales, rectas o curvas que pueden ser “reales “ o “virtuales” según como se las organice dentro del formato que se utilice.

Las “reales” son las que por su forma recta, curva o sinuosa la percibimos a simple vista; las “virtuales se generan por alineación de varios elementos, por la tensión generada de una o varias miradas hacia adentro o fuera del cuadro.

Si la disposición de las líneas se las utiliza como elemento conductor, como “guia” visual, dándole una estructura y dinamismo al contenido de la escena, se mejora notablemente la composición acentuando el efecto expresivo.
Las imágenes con líneas largas y convergentes atraen inmediatamente la atención del observador hacia el punto de convergencia. El típico caso de la perspectiva a un punto de fuga o dos. La perspectiva se vale fundamentalmente del uso y manejo de líneas Las diversas formas de ver y utilizarlas dentro de la fotografía están relacionada con la imaginación, creatividad y experiencia visual de cada persona.

lineas


Líneas Curvas
Desde un paisaje hasta los utensilios de cocina, las líneas curvas son la forma que más vemos. La línea curva es el elemento que transmite mayor dinamismo y plasticidad en la imagen.
La repetición de curvas puede impactar como un efecto armonioso y tranquilizador. Por ejemplo, las curvas de un cesto de frutas o el ondular de unas colinas. Pero si se quiere impactar más aún y dar sensación de dinamismo, debemos contrastar líneas curvas con líneas rectas y colores cálidos con colores fríos.
Un criterio importante para destacar cualquier línea curva, es acercarse al sujeto y que éste transmita una fuerza visual importante dentro de la fotografía.



Diagonales – horizontal y vertical

sydney

Es fácil encontrar curvas y círculos colocados sobre horizontales o verticales, en el caso de la Opera de Sidney y el Harbour Bridge, éstas crean una fotografía muy dinámica. El mejor momento para tomar siluetas de formas es al ponerse el sol, los rígidos perfiles del coche, las curvas de las vías y las columnas de soporte de la montaña rusa forman un dibujo geométrico muy interesante.

Líneas diagonales: Al ser desequilibradas y dinámicas, dan la sensación de estar cayendo o a punto de hacerlo, esto es ideal para fotografías enérgicas y sorprendentes. La forma más común de registrarlas es mediante el cambio y movimiento del punto de vista, puesto que la mayoría de las líneas que nos rodean cotidianamente son horizontales o verticales.

orilla

DIAGONAL: La línea de la orilla crea una gran sensación de profundidad, pues conduce
la mirada a través del encuadre hasta las rocas del fondo.


Líneas horizontales y verticales: Las composiciones con estas líneas sugieren orden, formalidad y estabilidad. En los paisajes, donde abundan las líneas horizontales, se transmite tranquilidad, impresión de calma y espacio.
En una imagen de grandes edificios donde predominan las líneas verticales, estas tienden a dar sensación de altura y grandiosidad. Podemos resumir estos conceptos como: las líneas horizontales transmiten composiciones más pasivas y las verticales más activas.

Perspectiva: Sabemos que la fotografía es una expresión bidimensional, según como ubiquemos las líneas dentro de la imagen se puede expresar la tercera dimensión o profundidad mediante el uso de líneas que produzcan fuga. La perspectiva lineal es la forma más sencilla de indicar profundidad; describe el modo en que las líneas paralelas parecen converger al fondo de la imagen. Los puntos hacia donde convergen se denominan puntos de fuga, que pueden ser a “un punto de fuga” (cuando todas las líneas convergen a un solo punto, ejemplo típico de las vías del tren); a “dos puntos de fuga” (caso de una esquina con sus dos calles), y “fuga cenital”, cuando las líneas fugan hacia el cielo (ejemplo de un edificio alto fotografiado de abajo hacia arriba).

marcas

PERSPECTIVA: Tanto las marcas blancas de la pista como los márgenes verdes conducen la vista hacia lo lejos.



La simetría.

LA SIMETRIA

LA SIMETRIA ES LA DISTRIBUCION DE LOS ELEMENTOS DE LA FOTOGRAFIA A AMBOS LADOS DE UN PUNTO O EJE CENTRAL DE MODO QUE UNAS PARTES ESTEN EN CORRESPONDENCIA CON OTRAS

El cuerpo humano visto de frente y en posición de firmes es un ejemplo perfecto de esta definición, el punto o eje central puede ser real o imaginario. Puede haber en el centro de la fotografía una figura que servirá de eje, en cuyo caso será un eje real, o puede componerse la obra distribuyendo sus elementos simétricamente, sin necesidad de un elemento concreto en su centro, en cuyo caso el eje será imaginario.

Podemos distinguir dos formas de composición simétrica;
LA RIGIDA: Es aquella cuyas partes se hallan dispuestas con absoluta similitud y correspondencia respecto a un eje caso siempre real.
LA VARIABLE: La correspondencia en las partes es más libre y elástica, esta mayor libertad puede traducirse en un cambio en las posiciones o actitudes de las figuras u objetos representados a ambos lados del eje central.

simetrica


La fotografía simétrica es aquella que si se divide ya sea horizontal o verticalmente, al doblarla, una mitad coincide exactamente sobre la otra. La auténtica simetría es difícil de hallar en la naturaleza, la mayoría de motivos simétricos, tales como edificios o automóviles están fabricados por el hombre. El equilibrio perfecto de las escenas simétricas implica que la vista no se sienta tan estimulada a pasearse por el encuadre, todas las formas que se repiten, se pueden utilizar para crear imágenes simétricas.

arboles



El ritmo gráfico.

EL RITMO GRAFICO

EL RITMO GRAFICO DE UNA IMAGEN SE FORMA A PARTIR DE OBJETOS FIGURAS O COLORES REPETIDOS, QUE COMBINADOS DE MANERA ORDENADA O ALEATORIA FORMAN IMÁGENES SUGERENTES

Se pueden encontrar motivos rítmicos en todas partes, desde los entornos urbanos a las formas naturales. Se pueden convertir en el motivo o ser utilizados como elemento secundario para crear un fondo interesante o hacer más atractivo el motivo principal.

Mientras que algunos resultan evidentes, otros cuestan un poco más de encontrar. Por ejemplo, si miramos hacia abajo desde lo alto de un garaje vemos que las filas de coches forman un motivo rítmico ordenado, aunque predecible. Pero si nos trasladamos a l nivel del suelo, descubrimos que la parrilla del radiador o los surcos de los neumáticos forman interesantes dibujos.

Los elementos rítmicos de más éxito son los que abarcan toda la imagen, de extremo a extremo. Si no damos a entender que el dibujo continúa mas allá del encuadre, su regularidad, y por tanto su impacto, se ven reducidos. Una de las formas más fáciles de llenar todo el encuadre con un elemento gráfico es fotografiar una pequeña parte de un objeto. El acercamiento también ayuda a disimular la identidad del objeto.

Uso del ritmo gráfico: Existen elementos rítmicos basados en la repetición de figuras idénticas, similares o distintas, y agrupados de forma regular o irregular.

Grafismos regulares: Están formados por objetos colocados en filas u otros dibujos geométricos ordenados. Pensemos en soldados desfilando, hileras de viñas o un panal de miel.

Grafismos irregulares: Los objetos colocados en el encuadre en forma aleatoria deben estar bastante juntos para ser vistos como elementos gráficos.
Ejemplo: Las hojas de un árbol, un adoquinado irregular o nubes blancas sobre un cielo azul.

Grafismos múltiples: Se pueden utilizar dos o más elementos gráficos en una misma imagen siempre que éstos sean muy contrastados. Los grafismos múltiples son especialmente útiles cuando un solo tema no tiene la fuerza suficiente.

franjas



Dividir el encuadre.

DIVIDIR EL ENCUADRE


Como dividir la fotografía, que incluir en ella y en que lugar y posición, son algunos de los elementos básicos a tener en cuenta antes de hacer la toma. La elección del motivo, el punto de vista y el encuadre serán decisivos para dividir la fotografía en áreas compensadas de tono, color y detalle.

Situación del horizonte: Para la mayoría de las fotos, especialmente los paisajes, la posición del horizonte dentro del encuadre requiere una reflexión previa. No existen normas establecidas para dividir el encuadre; todo depende de la parte de la foto que desee destacar. Un método seguro, aunque también fácil de predecir, es utilizar la regla de los tercios (un tercio de tierra y dos de cielo o viceversa). Esta división estará relacionada en forma directa con la parte que deseemos enfatizar en nuestra fotografía.


Horizonte central: Un horizonte central tiene el peligro de cortar la escena en dos áreas de igual predominio visual. Esto puede dar lugar a una imagen estática, en la que el espectador no sabrá dónde dirigir la mirada, aunque podemos utilizarlo con eficacia en aquellas tomas en las que se requiere una simetría total. Los reflejos pueden crear una visión sorprendente si el horizonte está en el medio.

horizontal_central

Horizonte alto: Nuestra vista presupone que el espacio que ocupa dos áreas en la foto es lo más significativo de la misma. Por ello, si el interés de la escena radica más en la tierra que en el cielo, situaremos el horizonte alto en el encuadre. Cuando aparece tierra en la mayor parte de la imagen se produce un increíble efecto de profundidad causado por la diferencia de escala entre los objetos del fondo y los del primer término, debemos asegurarnos que el paisaje es lo suficientemente variado para que la imagen no resulte aburrida.

horizontal_alto

Horizonte bajo: Cuando en el cielo aparecen colores o formaciones de nubes poco corrientes, ubicando el horizonte en la parte inferior del encuadre, podemos convertirlo en el motivo de la imagen.

horizonte-bajo


Los colores en la composición.

COMPORTAMIENTO DE LOS COLORES EN LA COMPOSICION

La película en color es un alarde de la tecnología, es capaz de producir en un momento imágenes notablemente sutiles y naturales. Sin embargo, por muy perfectas que parezcan, en el mejor de los casos los colores de una fotografía sólo pueden ser una buena imitación de la realidad; nunca pueden copiar de forma exacta todos los colores de un motivo.

Una de las más evidentes diferencias que existen entre una fotografía blanco y negro y una de color es la gama tonal. En blanco y negro es una cuestión de luces y sombras, en color lo es de matices.

Los colores ejercen efectos sobre el observador, los rojos, naranjas y amarillos parecen avanzar sobre verdes y azules, siendo importante que los primeros aparezcan como parte importante del motivo y no del fondo o cualquier elemento secundario.

peso


El peso relativo de los colores
Los colores parecen tener diferentes “pesos” visuales.

En general se percibe al rojo como el más pesado, seguido por el naranja, el azul y el verde, y luego él amarillo y el blanco. Los pesos relativos de los colores pueden tener un papel significativo en la composición como también modificar el tamaño aparente de los objetos; colores más “pesados” hacen que los objetos parezcan más pequeños.


Ambiente y significado: Se sabe desde hace tiempo que los colores originan estados de ánimo y hasta emociones en el observador, muchas personas encuentran difícil vivir o trabajar en una habitación que consideran desagradable o inadecuadas. Las encuestas realizadas han demostrado que, en general, se prefieren los colores claros a los oscuros, así como que los colores de la gama del azul gustan más y los amarillos – verdosos menos.

Al exhibir dos colores juntos, las combinaciones con diferencias de brillo y matiz suelen encontrar mayor aceptación. Algunos colores se perciben como relajantes o excitantes, el rojo por ejemplo se lo considera activo, incluso agresivo.

Las razones de estas reacciones pueden ser, en parte, fisiológicas. El punto focal de las ondas de luz roja se encuentra detrás de la retina del ojo, por lo que el rojo literalmente avanza, logrando que los objetos rojos parezcan estar más cerca de lo que están.

La psicología del color no es todavía una ciencia exacta. No obstante, los fotógrafos que utilizan los hallazgos experimentales de los científicos del color para confirmar su propia sensibilidad, podrán obtener respuestas más controladas de sus fotografías.



El rojo

El rojo es un color vibrante, una pequeña mancha de rojo, es suficiente para dar vida a una fotografía, las que serán llamativas y estimulantes si están dominadas por un rojo brillante.

Las películas color registran con relativa fidelidad los tonos puros del rojo primario, pero si un objeto está iluminado fuerte y uniformemente, su tono parecen confundirse, como puede ser el ejemplo de una flor roja en la cual es difícil distinguir la forma de sus pétalos, para superar este problema, se dispondrá una iluminación direccional, de forma que las altas luces y las sombras rompan los tonos rojos; o bien se subexpondrá la película en medio diafragma.

Muchas veces el rojo puede ser indicado para proporcionar un detalle en color, en este caso la prioridad no es un detalle máximo sino una óptima saturación del color. La mejor forma de conseguirlo es tomar las fotografías con una fuente de luz dura como la luz solar directa y usar un filtro polarizador.

rojo

Podemos observar en estos ejemplos, como el rojo avanza hacia el espectador más que cualquier otro color, aún cuando aparece en pequeñas proporciones domina la imagen llamando poderosamente la atención.



El azul

A los colores se les suele asociar instintivamente un valor psicológico. El azul puede representar tristeza pero también serenidad y estabilidad. Como color, es al mismo tiempo frío y calmante, en una fotografía las zonas de azul tienden a retraerse ante la vista especialmente cuando contrastan con colores más cálidos y agresivos como el rojo, el amarillo o el naranja.

Para fotografiar los azules de los cielos vespertinos, deberemos realizar mediciones de la exposición en forma regular, pues la luz cambia muy rápidamente y nos puede obligar a trabajar con tiempos muy largos, esto puede originar extraños cambios de color, haciendo que el cielo quede de un color morado poco natural.

Los azules de la naturaleza (flores, el mar, etc.) suelen ser difíciles de fotografiar con exactitud. Un mismo azul adoptará tonalidades distintas según la película que se utilice, deberemos experimentar hasta hallar la de nuestro agrado.

azul

MAR HELADO

Cuando el encuadre queda cubierto por agua, nieve y cielo, la fotografía resultante presenta una gran cantidad de tonalidades de azul que contribuyen a crear una sensación muy fría. En estos casos conviene asegurar la exposición ya que el fotómetro de la cámara nos sugerirá una subexposición poco conveniente.

RETRATO
Los fondos oscuros logran hacer resaltar la mayoría de las tonalidades del azul El color gastado del traje, combina bien con el resto de prendas azules. La iluminación suave procede de luz ambiente.

TORRE DE CRISTAL
Con un encuadre ajustado se pueden crear imágenes abstractas de cristales azul verdosos que conforman las fachadas de los edificios, estos colores se intensifican con el azul reflejado del cielo.


El amarillo.

El amarillo es el color de mayor reflectancia y siempre destaca en una fotografía, es el único tono que resulta tanto más brillante cuanto más saturado está. Los demás colores se oscurecen.

Las fotografías dominadas por el amarillo dan una sensación de alegría y optimismo, como así también es el color más difícil de reproducir en fotografía, por dos razones. Las dos capas inferiores de la emulsión son también sensibles al amarillo pero lo son más al rojo y al verde, esto significa que el amarillo ejerce menos efecto sobre la película en color; los otros dos colorantes, el cian y el magenta, contienen algo de amarillo.

Para evitar que los grises neutros y los tonos piel resulten demasiado amarillos, los fabricantes limitan la cantidad de colorante con el resultado de que los tonos amarillos parecen pálidos y poco saturados. A diferencia de otros tonos, el amarillo no mejora con la subexposición, la cual hace que parezca pastoso, en su lugar conviene aumentar la saturación con un filtro polarizador.

amarillo

Un toque amarillo siempre llama la atención, si cubrimos el paraguas en ésta imagen, se verá lo vital que es para la composición. Al colocar el paraguas hacia la derecha del centro, se confiere una agradable simetría a la fotografía.


barcas

En esta fotografía, se oscureció el cielo con un filtro degradado de color tabaco para que las canoas amarillas fueran la parte más brillante de la composición, usando un gran angular se acentúa el impacto visual con el fondo enfocado.


arena

En un campo sembrado e iluminado en forma rasante, el amarillo toma un valor preponderante en el total de la imagen confiriendo un perfecto equilibrio en forma y color.


autopista

El rojo es un color agresivo y dominante, pero en este caso el amarillo es más llamativo colocado sobre un fondo neutro.




El verde

El verde tiene muchas asociaciones simbólicas, puede significar esperanza, abundancia paz y estabilidad, además de ser uno de los colores que se encuentran con más frecuencia en la naturaleza es también uno de los más relajantes.

De todos los matices de la naturaleza, el verde es el más variado. Algunos árboles son de un verde tan oscuro que parecen negros a distancia, mientras las hojas recién abiertas son de un verde muy claro, una consecuencia afortunada de ésta diversidad de verdes es que el observador está dispuesto a aceptar una gran variación en el aspecto de las hojas o hierbas en una fotografía, ya que es muy difícil que la película registre fielmente los distintos tonos de verde.

verde_mar

El verde turquesa del agua proviene en parte del color reflejado del cielo pero también de la absorción de luz roja por el agua. Un filtro polarizador saca el máximo provecho de sus tonos al eliminar los reflejos de la superficie.

 

cascada

Al fotografiar esta escena con un encuadre ajustado, se logra acentuar los distintos tonos de verde, el cual domina la imagen sin cansar al observador ya que existe un perfecto equilibrio con la aparición de las flores amarillas del primer plano y la cascada difuminada como producto de la utilización de una velocidad lenta

 

pera

Con un poco de imaginación, puede crear hermosas imágenes con elementos tan sencillos como cotidianos. La composición y el contraste ideal se logro en esta fotografía, utilizando una servilleta verde como color de fondo, dando la oportunidad de “avanzar” al amarillo de la fruta.

 

pajaro

El sorprendente azul y amarillo del plumaje de este pájaro forma un poderoso contraste con los verdes más relajantes que dominan el resto de la escena. La exposición ajustada aseguró que los colores salieran lo más saturados posible.




Las sombras.

COMPONER CON LAS SOMBRAS


Aunque muchas veces no les prestemos importancia, las sombras son un elemento importante en la composición. En su forma más simple pueden proporcionar información a una fotografía; empleadas con imaginación forman poderosos motivos por sí solas.

Ser consciente del modo que la luz cae sobre un motivo y la sombra que crea, no es una función natural de la vista, y normalmente precisamos de una fotografía para percatarnos de que las sombras existen. Ello se debe a que nuestra vista es capaz de registrar una escala de intensidades de luz mucho más amplia que una película, de modo que al mirar un objeto iluminado de modo irregular vemos los detalles tanto en la zona iluminada como de la sombreada. Al registrarlas en película, sin embargo, las sombras se ven mucho más oscuras que en la vida real.

Las sombras son muy útiles para conferir a las fotografías la sensación de una tercera dimensión. Cuanto más bajo está el sol, mayor es la influencia de la sombra en la forma de un paisaje A mediodía, el paisaje se ve plano y monótono, pero a media tarde, cuando el sol está bajo, los dibujos de las sombras proyectadas por árboles y colinas añaden forma e interés a la escena. También las nubes proyectan sombra sobre la tierra.

La luz dura produce sombras oscuras, mientras que la luz difusa las produce más pálidas. Cuanto más oscura la sombra, más intenso el efecto, aunque ocasionalmente, una sombra suave puede ser útil para hacer resaltar una gama de tonalidades sutiles que no daría con una luz más intensa.

CALCULO DE LA EXPOSICION: Si hay sombras, es preciso medir cuidadosamente para obtener el efecto deseado. Sin son intensas, haga la lectura de la zona iluminada de la escena. Sin son suaves y permiten ver ciertos detalles, aumente la exposición en un punto.

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Los reflejos.

COMPONER CON LOS REFLEJOS


Cuando la propuesta fotográfica está dirigida a trabajar con reflejos, debemos poner énfasis en aprender a captarlos, lo cual no es tan sencillo como parece, ya que normalmente no solemos darnos cuenta de su presencia en nuestro entorno y vida cotidiana. Desde las imágenes más simples y clásicas hasta las más elaboradas o abstractas, los reflejos ofrecen al aficionado o profesional un gran campo de aplicación para obtener fotografías originales y de gran impacto visual.

reflejos



ANSEL ADAMS


LOS GRANDES FOTOGRAFOS Y LA COMPOSICION

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FRANCO FONTANA

franco


SEBASTIAN SALGADO

sebastian



CARTIER BRESSON

Henri Cartier - Bresson

“ La cámara fotográfica para mí es una libreta de croquis, el instrumento de la intuición y la espontaneidad, el dueño del instante que, en términos visuales, cuestiona y decide a la vez. Para significar el mundo, hay que sentirse parte de lo que uno recorta a través del visor. Esta actitud exigen concentración, sensibilidad y cierto sentido de la geometría.
Sólo economizando medios y, sobre todo, olvidándose de uno mismo se llega a la simplicidad de expresión. Fotografiar es contener la respiración cuando todas nuestras facultades convergen para captar la realidad huidiza; en ese momento,
tomar una imagen es una gran alegría física e intelectual.
Fotografiar es reconocer un hecho en un mismo instante y en una fracción de segundo, y la de organizar rigurosamente las formas percibidas visualmente que expresan y significan ese hecho. Es poner en una misma línea de fuego la cabeza, el ojo y el corazón. Es una forma de vida.”

cartier



ROBERT MAPPLETHORPE

Robert Mapplethorpe nace en Nueva York en 1946 y desde muy pequeño tuvo inclinación hacia las artes plásticas, siendo su iniciación a través de la pintura, pero muy pronto quedo prendado por la fotografía, actividad que no abandonó hasta el momento de su muerte en marzo de 1989.
Mapplethorpe está considerado como uno de los grandes genios de la iluminación, ya sea natural o artificial; sus retratos, desnudos masculinos y femeninos, fotografías de flores y niños, han causado un impacto profundo en el mundo del arte ya que no sólo produjo obras técnicamente perfectas sino que también su forma de componer y ordenar los espacios dieron como resultado fotografías de gran impacto visual.

robert



PEDRO L. RAOTA


Pedro Luis Raota

La obra de Raota no sólo es extensa sino sumamente importante. Si bien se hace hincapié en la notable cantidad de premios obtenidos, que realmente es abrumadora, no es lo más trascendente del autor. Los premios son simplemente la consecuencia natural a la que arribó un autor de características sobresalientes.
Los trabajos de Raota no sólo hablan de una excelente técnica sino también de una acabada elaboración de la idea original, que concretaba, indistintamente y con precisión, en el set de toma, en el laboratorio, en el registro del instante fugaz o bien en una combinación de todos estos factores.
Dominaba con igual maestría el color y el blanco y negro y logro posicionarse a nivel internacional como nunca antes lo había hecho ningún fotógrafo argentino.

pedro



Comentario final :

La facilidad y la rapidez con que se acciona el disparador de cualquier cámara moderna pueden ser un impedimento para realizar imágenes creativas, a menos que el fotógrafo se dé cuenta de que casi todo el trabajo que requiere una buena imagen debe realizarse antes del disparo. Se pueden hacer fotografías interesantes aplicando los principios de la composición, que dependerán de una atenta observación del motivo a través del visor. Aunque dichos principios están más relacionados con motivos estáticos que con imágenes de acción, pueden ser una ayuda para cualquier tipo de fotografía.

Aparte del interés intrínseco del motivo, hay dos cosas que son fundamentales en una fotografía: la composición y la luz. La sensibilidad ante una imagen es sobre todo cuestión de gusto personal, los elementos combinados que componen una imagen hacen vibrar a una persona, mientras que para otra no significa nada; podemos decir que la luz crea las fotografías y los fotógrafos las captan.




Hiboox 2014-10-22 14:12

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